狂野时代》从一开始就告诉观众，本片并非是一条完整的故事线，而是会做梦的电影身体。五感加意识的六个章节，从默片怪物、民国少年，到庙里的小和尚、骗术中年、黄毛古惑仔，再接回迷魂者与“大她者”，整体而言建造了一座活动的影像博物馆，因此对本片不能以传统的电影，尤其是商业片、类型片来看待，毕赣从《路边野餐》开始就无意讲述一个叙事明确、情感强烈的电影，而是尝试各类诗歌与哲学的意蕴表达。

所以，不如从形式上看，毕赣是在玩电影。画幅、色调、质感随着时代变化不断切换；手工布景、费那奇镜、特雷门琴、露天放映《水浇园丁》，各种影史暗号像彩蛋一样被埋进画面，迷影群体会惊喜连连，但对普通观众来说，这些电影指涉就变成一种理解门槛。因为观众往往能感受到导演想要讲点东西，确实也有点什么，但是却不知道具体是什么。因此，《狂野时代》可以看作是一次迷影群体的小型期末考，普通观众的酒店睡眠票。

这也就造成了毕赣电影中虽然有一些潜在的情感表达，比如父子愧疚、失孤创伤、世纪末的迷惘，但是都被切得过碎，情感浓度总是戛然而止。因此，电影的形式强调观众的间离，始终要求观众保持大脑的理性思考。虽然大批观众为电影冠上了“看不懂”的帽子，但是抱着“新浪潮”的视野观点，我们必须鼓励更加多元更加多样的电影制作与生产，尊重不同电影导演的作者性表达，而非全然的类型化电影世界。

在绝大多数观众看来，《狂野时代》无疑是一部概念先行的电影，大她者、迷魂者、多种感觉、百年电影史，在这些概念中，毕赣不断往其中填充角色与情节。结果就是大量的概念和晦涩难懂的符号越堆越高，人物和故事反而被压缩到极限。基本上每一个章节都在暗示说明这里有各种各样的隐喻。比如这一段是视觉，那段强调听觉，这段是映射某个年代，那段在致敬哪部经典。真正落到观感上，很多时候只有空转的设计。

虽然易烊千玺扮演的迷魂者在每一个篇章里都有不同的身份，但是却很难记住他具体做了什么（除了中后的两个篇章）。毕赣基本上提供的都是那些具有哲学意味的问题，比如“人丢失了什么再也找不回来”“最苦的东西是什么”，但是这些问题也都停留在台词层面的自问自答，缺乏深入人心、扎根角色命运的重量内容。长镜头、迷宫、燃烧的树，这些本来很有冲击力的视听段落，因为叙事的不足和情感的匮乏，更像是一个学生在蹒跚学步，展示自己课堂学习的技巧。

更尴尬的是，他既不愿做一部老老实实的作者电影，又想通过卡司和获奖的宣发去触及更广泛的观众群。结果走进影院的人，一小半是奔着导演和戛纳奖项，一半是奔着易烊千玺来的。前者觉得太浅，后者觉得太晕。

虽然《狂野时代》不至于一无是处，但在野心和炫技之外，电影暴露出毕赣自《地球最后的夜晚》就一直出现的问题，即导演更关心自己的个人生活体验与表达情境，而没有融通进角色在银幕上的真实经历与个体感受时，电影变得轻飘，只剩一地鸡毛。